Análisis de Gravity: El espacio según Cuarón.

El director mexicano Alfonso Cuarón, es uno de los directores mexicanos más reconocidos internacionalmente. En su último filme, “Gravity”, busca explorar la naturaleza humana bajo situaciones límite, a través de dos personajes (que abren y cierran el elenco de Cuarón).

Siendo una película con algunos principios de cine independiente (bajo costo y corta duración), este filme se centra en dos elementos principales: la provocación del espectador, y la estética que se puede lograr con las herramientas de Cuarón . Siendo estos los objetivos del director, veamos que tal lo ha logrado.

Para lograr el primer objetivo, se requiere de un ritmo narrativo sofocante. Para entender esto, podemos contraponerlo a filmes como, “2001: Odisea del Espacio”.  Cito aquí una escena del filme, para que se note el largo aliento que da Kubrick a sus escenas. El despliegue visual de Kubrick es más bien psicodélico, mientras que el de Cuarón es realista, pero ese no es el punto. Lo importante es la diferencia entre el manejo de la economía del relato, de una película que dura 161 minutos, como la de Kubrick:

y una que dura 91 minutos, como Gravity:

Una es éxtasis visual llevado a su más larga expresión mediante imágenes psicodélicas, la otra, es pura acción y movimiento.

La velocidad de este filme es rápida a tal punto que el espectador nunca tiene un descanso de la tensión. Vemos que casi la totalidad de la película transcurre en una sola escena, donde no se da una presentación de los personajes, ni profundización en la psicología de los mismos, ni se enmarca una visión particular de una situación o ambiente. El director maneja la economía de su filme ocupando tiempo solo en la producción estética, y en la provocación.

Cuarón alterna estos dos motores en dos tipos de secuencias: la primera es la secuencia “lenta” (nunca llega a la inmovilidad de “2001: Odisea del Espacio”), cuyo principal componente es el estético: Cuarón utiliza tecnología avanzada y excepcional para crear su universo, lo más fiel posible al real. Sin duda, en cuanto a la producción de un ambiente espacial y su tratamiento, este filme es un nuevo paso en la evolución de la representación del espacio (nota aparte: me gustaría ver que, así como Cuarón siguió los pasos de Kubrick en este aspecto, algún director lo hiciera con Jurassic Park de Spielberg) .

El director busca generar el efecto de mayor realismo posible. Algunos críticos han dicho que esta es una de las experiencias más cercana a estar en el espacio, mientras que otros, como Neil DeGrasse Tyson realizaron un análisis más puntilloso (link a la crítica, cortesía de http://www.ecartelera.com/). El director, sin embargo, no deja de resaltar, subjetivamente, una serie de principios que ayudan a generar el efecto de tensión y desesperación en el espectador. Estos principios, suerte para mí, son simplemente enumerados en el inicio de la película: se trata de las condiciones que hacen imposible la vida en el espacio (aquello que hace al espacio amenazante), y además, un rasgo del espacio que el director prima sobre el resto, muy productivo a la hora de generar terror: en el espacio no hay nada que transporte el sonido.

Dichos elementos se aplican en el segundo tipo de secuencia: la secuencia de alternancia, la que genera el shock,  la que da a la película su componente dramático y su suspenso: la claustrofobia y la sensación de ahogo son dos objetivos iniciales del film (si esto es lo que les llama la atención del filme, les recomiendo Buried, de Rodrigo Cortés). Digo de alternancia, porque vemos en estas escenas, un silencio absoluto interrumpido bruscamente: el efecto de shock, la sorpresa.

En cuanto al argumento, hay que decir que este es, muchas veces, el medio por el cual las sensaciones fluyen. El argumento de este filme no es la excepción. Dicha historia permite un despliegue visual muy amplio y también, facilita al director el generar las sensaciones antes nombradas. Por lo tanto, es un argumento que responde a ciertos objetivos, una herramienta del director más que un pilar de la dirección.

En cuanto al aspecto visual cabe destacar ciertas herramientas tales como: el manejo de las distancias (produce la sensación de la inmensidad del espacio), la grabación desde la primera persona (produce un efecto de realismo y de compartir lo sentido por el personaje), la oscuridad (también mejora el efecto de inmensidad), la luz (que se relaciona a la seguridad y la tranquilidad), los primeros planos (enmarcan los gestos faciales con mucha mayor contundencia), entre otros. Vemos que el director saca provecho de la cámara y, en este caso, de la computadora también, para hacer un despliegue visual avasallante.

Gravity-2013-Desktop-Wallpaper

Como la mayoría de las películas de Ciencia Ficción, la concepción de la vida espacial en Gravity no podría haber sido posible sin Kubrick y su Odisea. Su visión del espacio y sus características, contrastante a la realidad física de la tierra, fue innovadora, y marcó la visión de los directores siguientes, como por ejemplo Cuarón. El director mexicano realiza varias referencias a la obra de Kucrick para explicitar esta deuda.

Cortesía de Posts & Chips

Cortesía de Posts & Chips

El tema que se trata es la actitud que se toma ante la muerte, su aceptación o su negación. Ambos personajes presentan diferencias en esta aceptación. Aunque este no fue el elemento que más captó mi atención en el filme (me parece que esta pobremente realizado, debido a la falta de profundización en los personajes, que hace que sea dificil que el espectador realice una catarsis certera), es un elemento que está presente y es acompañado por la tensión.

Tenemos, en resumen, un filme incompleto por su falta de profundización de los personajes (creo que este aspecto en parte fue un sacrificio que tuvo como objetivo lograr una economía de la duración de la obra), pero sin duda un punto importante en la evolución de la representación del espacio y la más grande joyita del director.

Para otros puntos de vista sobre la película:

-Para una mejor opinión sobre la función 3D: http://newsyep.com/2013/11/18/gravity-3d-2013-review-by-sivakumar/

-Para una visión acertada y feminista sobre el filme: http://lisathatcher.wordpress.com/2013/12/01/gravity-alfonso-cuaron-retells-kubric-and-tarkovsky-in-a-feminist-reading-film-review/

Análisis de los viernes: Raiders of the Lost Ark (1981)

Un arqueólogo apasionado por su profesión es encomendado a encontrar un tesoro mitológico, una leyenda histórica y de la religión judía: El Arca de la Alianza. Este objeto también es anhelado por Hitler, el que lo ve como un arma de guerra. Ambos lados (por un lado los nazis, y por otro Indiana) estarán en una carrera por conseguir el Arca.

Podría empezar este análisis hablando de obviedades, como el hecho de que el método de dirección de Spielberg es algo que todo cineasta aprendiz debería observar y entender como una guía básica. Sin embargo, voy a eludir hablar mucho del director, por lo menos por el momento.

Como marco, tenemos una historia muy simple y fácil de resolver (escrita en parte por George Lucas), con un nudo y un desenlace lineal y maleable. El guión es manejado con corrección, y no presenta ningún error narrativo notable. Si existen algunas Deus ex machina, es decir, problemas de lógica básica que son resueltas sin mucho cuidado, obligados por el propio guión. También existe una caricaturización de la aventura, tanto de los villanos (los nazis de juguete), de la historia, y del mismo héroe.

Spielberg no suele tener errores garrafales a la hora de manejar una historia, o de narrarla, sin embargo, el propio personaje de Indiana se ve envuelto en situaciones algo forzadas, que, en una mirada algo minuciosa, llegan a notarse, y plantean algunas preguntas. Sobre el personaje, no hay más que decir que Harrison Ford realiza una actuación, no compleja, pero si muy atractiva e icónica, un héroe bidimensional, sin grandes complicaciones.

indiana

Sin embargo, este filme se sostiene por otros factores, y, si ignoramos estos errores y también la sensación de bizarres que genera ver ahora las escenas de pelea (la última es impagable), podemos ver que Indiana Jones es un filme simple, y en su simpleza gana.

Merece un apartado mencionar la tan conocida banda sonora, compuesta por el gran John Williams, que adquiere un valor protagónico, y es uno de los puntos más destacables de la película. Es el primer componente de una estética que mantiene a este filme en el nivel más alto en innovación: aventura en un estado puro. La misma caricaturización apoya esta estética y la hace encantadora.

Con una fotografía especial, en la cual Lucas también metió mano, (con planos muy interesantes e imágenes -evitemos los efectos especiales que Spielberg logra en este momento- bien generadas), Raiders of the Lost Ark resiste en un ritmo constante (con pausas que no aburren), la aventura avanza, el héroe golpea y golpea, y la estética se forma paso a paso, y abre un nuevo abanico de posibilidades, una visión única de un director único. Es un clásico para mirar y disfrutar, sin muchos reproches, y personalmente, no de los mejores filmes de Spielberg.  7.5/10 para el clásico.

7 estrellas

Análisis de los viernes: Oblivion (2013) – El sci-fi visual por excelencia

En el año 2073, la tierra se encuentra destruida e inutilizada por una guerra nuclear ocurrida 60 años en el pasado, que confrontó a los humanos con una raza alienígena carroñera. Los humanos se han mudado a una de las lunas de Saturno, dejando a un pequeño grupo en la tierra para defender los recursos terrestres, necesarios para el desarrollo de la vida humana fuera del planeta. Jack Harper, uno de estos soldados, luego de un incidente que interrumpe su trabajo, comienza a cuestionarse la verdadera naturaleza de su vida, y de la verdad.

(El mejor trailer que pude conseguir)

El “heredero” de Tron, se encarga de dirigir esta cinta de ciencia-ficción. Joseph Kosinski, el que se dedicaba a dirigir comerciales para Halo, que fue elegido para hacerse cargo de la incierta secuela de Tron, lleva adelante la adaptación de un comic inexistente (A los que le interesa saber más sobre la historia del comic inexistente haga click acá).

Si hay algo que debemos admitirle al director es su maravillosa habilidad para poner en escena. Uno de las características que más mantienen a esta película de decaer absolutamente es la fotografía. Kosinski utiliza las imágenes para sumergirnos en un universo fantástico, de ciencia ficción no solo creíble, sino asombroso, realista y dinámico, en cuanto vemos estéticas naturalistas, tecnológicas, bélicas, y una de las más fabulosas tierras post-apocalíptica que he visto.

Habiendo pasado eso, podemos apreciar que Joseph Kosinski no es un narrador. (spoilers) Pretende manejar una trama doble, una historia que se dobla sobre sí misma al mejor estilo Matrix. Trata, como puede, de plantear ambas historias por separado, de hacerlas encontrarse en un choque energético, y que la segunda triunfe (la verdad) sobre la primera (la mentira). Este tipo de tramas es muy usual en filmes de ciencia ficción, y el ejemplo paradigmático es el antes mencionado filme de Andy y Lara Wachowski (fin de spoilers).

El principal problema que existe en la narrativa de Oblivion es la utilización de los tiempos: si dividimos en tres partes la película, vemos que la primera hora es utilizada para plantear una historia que luego será desmentida por una segunda historia, cuyo planteo se hará en quince minutos, dejando solo media hora para la resolución del conflicto. Entre todo, el planteamiento de la segunda historia es vago y deja con ganas de más, y el final es despelotado y apresurado, por lo tanto, mal logrado.

Uno de los tantos paisajes deslumbrantes de Oblivion

Uno de los tantos paisajes deslumbrantes de Oblivion

Sin duda esta no es tarea fácil, y Kosinski se maneja como puede. Si bien existe un problema central relacionado al manejo de la narración, y que de alguna manera molesta , su influencia no es grande, ya que permite, no solo que la película sea de un disfrute total, sino que la historia sea comprendida naturalmente. Además, estas faltas en la narrativa están ampliamente equilibradas por el interés visual que genera la cinta.

Tenemos un director que es un profesional para hacer real un mundo imaginario (a mi parecer, más astuto y sabio que el Michael Bay), pero que no logra contar una historia con el mismo orden o contundencia con la que lo harían los Wachowski en 1999. Tenemos un grupo de escritores que, salvo alguna línea, no generan un diálogo atractivo. Tenemos un Tom Cruise frágil, que por momentos fastidia por su constante monotonía, y que cancela cualquier oportunidad de profundización psicológica o de conexión hacia su personaje. Tenemos un filme cuya fotografía funciona como un escudo ante todo esto, que le permite, por sí sola, permanecer en un margen “atractivo”, no caer en lo banal, en lo trillado, para no ser oscurecida por su protagonista (hubiera querido que Morgan Freeman interprete todo el filme) ni por la inconsistencia en su narrativa.

Oblivion es un engaño, una película no tan bien narrada, pero tampoco tan mal, un protagonista de piedra, pero también es un festín de imágenes: la realización de la imaginación de muchos, una tierra devastada pero orgullosa en su belleza. Con un mejor equipo de escritores, con un protagonista más simpático, Oblivion sería mucho más que un 7/10, un filme que pelea a cada instante contra sus defectos, sostenida por una narrativa gastada pero efectiva, y un desarrollo visual de puta madre.

7 estrellas

Análisis de los viernes: The Wolverine (2013) – ¿La última decepción?

“En una historia alterna a X-Men Origins: Wolverine (2009), y continuando la historia de Wolverine luego de asesinar a su amada Jean Grey (X-Men. La decisión final -2006-), Logan es convocado a Japón para despedir a un viejo amigo a punto de morir. El protagonista se ve envuelto en una guerra que relaciona a la mafia Yakusa y los samurais, y entre tanto, su capacidad regenerativa es anulada, por lo que se ve enfrentado al conflicto moral y físico de renunciar a su inmortalidad o recuperarla, y de encontrar un sentido a la vida luego de la muerte de Jean.”

(Trailer bastante respetable)

El cine de X-Men nunca fue de mi total aceptación. No conozco con gran intensidad las variantes de la historia que hay en los comics, pero manejo un poco el tronco principal de la cronología de los mutantes.

Habiendo dicho esto, creo que, si alguno de los directores que se han hecho de la franquicia realizó un trabajo respetable, ha sido Matthew Vaughn en la última X-Men: Primera generación (2011). Sin duda que la influencia de Bryan Singer es positiva a la saga, aunque aquellas que ha dirigido no me parecen buenas.

Lobezno Inmortal, o más simplemente, The Wolverine, sigue una linea de sucesos que pertenecen al universo del filme de Vaughn, y que están directamente relacionados con él. Esto de primera me parece un buen signo, ya que la historia alternativa de X-Men Origins: Wolverine es un error de principio a fin, y veo como buena acción haberla descartado para mantener un hilo cronológico coherente con la serie de filmes que inició Vaughn, lo mejor logrado hasta ahora.

Entrando en el filme en cuestión, podemos ver que los primeros treinta minutos de la película son muy entretenidos (la primera escena es la más espectacular que he visto en toda la saga). Sin embargo, a medida que la cinta y la historia avanzan, la narrativa se va hundiendo poco a poco, y cae en lo monótono para cuando nos enfrentamos a un segundo acto.

(spoilers) La primera media hora de la película es buena. No muestra solo la intensidad del fuego de Nagazaki, sino que presenta a un Wolverine distinto: su motivación es la misma (la inmortalidad es una condena ya que está destinado a acumular sufrimiento y no poder descansar jamás), pero la forma de encarar al personaje es distinta, tal vez la idea de un Wolverine reflexivo que tiene James Mangold no es tan trillada como lo ha sido en otros directores, y tal vez, Mangold entiende que la reflexión y la acción bien pensada pueden ir de la mano. (fin de los spoilers).

Sin embargo, cuando la trama avanza a un segundo acto, comienza a desarrollarse una historia de amor poco lúcida, sin profundidad, sin lógica, que no comienza en ningún lado y que no termina en ningún lado. A medida que esta parte de la historia se desarrolla la acción decae, perdemos al Wolverine reflexivo, al antiheroe, y obtenemos un Lobezno que parece una caricatura.

La perdida sustancial del protagonista y la falta de desarrollo de cualquier otro personaje (prácticamente ninguna actuación es rescatable en este filme, siendo la de Hugh Jackman algo siempre visto) llevan el resto de la película a un inminente fracaso, que ni la animación estrambótica y poco agradable, ni los ninjas pueden salvar. La acción, que en un principio era uno de los pilares del filme, se derrumba irremediablemente.

wolverine inmortal

Avanzamos entonces más adentro hacia el trama, cuando el director pierde una visión ordenada de los actos. Los sucesos se dan de forma despelotada, los villanos son básicos y sin una motivación o psicología fuerte (ninguno causa ningún tipo de sensación), y aquello que llevaría a Logan a un extremo mental y físico termina siendo un chiste inconsecuente.

Hacia el resto de la producción puedo decir, excelente trabajo en la primera escena. Recomiendo ver la primera secuencia y la que aparece luego de los créditos y usar esta última como un teaser para el próximo trabajo de Singer con X-Men: Days of Future Past (2014), donde, esperemos, habrá un tratamiento positivo de este genial personaje, que se lo merece. Esperemos que esta sea la última decepción por parte de la franquicia. Un 5/10 para el Wolverine japonés.

5 estrellas

The Hunger Games – La Supervivencia del mas Apto.

La película se situa en un futuro donde el capitolio selecciona a un chico y a una chica de 12 distritos  para pelear hasta la muerte en TV, con la finalidad de que ese ganador mejore sus condiciones de vida. Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se ofrece a ir en lugar de su hermana y allí es donde esta odisea llena de muertes violentas con tintes románticos comienza. A esta aventura se le suman personajes con el correr de los minutos. Quien mas capto mi atención fue Peeta Mellark (Josh Hutcherson),  un joven del distrito 12 que compite lado a lado con Katniss aun sabiendo que la ama.

Antes de ver esta película supuse que seria la predecesora de una nueva saga “a lo Crepusculo” ya que me encontre sorprendido por la gran cantidad de adolescentes femeninas que se encontraban en la sala de cine. Sin embargo, la idea conceptual de la película se torno interesante con el correr del tiempo. Posee ciertas escenas violentas capaces de exaltar a cualquier hombre, aun siendo una película “No Apta para menores de 13”.

Entre las cosas que atraen al espectador para ir hasta el cine y verla se encuentran: la actuacion, la dirección fotográfica, la banda sonora y el hecho de estar basada en un “Best Seller”. Todos estos componentes hacen de la  película, una pelicula divertida compuesta por suspenso, comedia, romanticismo y violencia.

Sin embargo, “nada es perfecto”. La pelicula tiene sus fallas. Una de ellas es el uso de la camara “temblorosa”. Con esto me refiero a que el director en ciertas escenas repletas de accion decide manejar la cámara a través de movimientos bruscos (nada de tomas armoniosas). Esto provoca cierto desconcierto en el espectador, o al menos lo hizo en mi. Pasando a la actuacion. El grupo de actores es muy bueno pero el problema es que la quimica entre Josh Hutcherson y  Jennifer Lawrence no fue convincente al punto de creer que lo visto es un verdadero romance.

A pesar de estas “pequeñeses” la pelicula se hace disfrutable. Digna de verla en el cine.  Yo no he leido el libro pero quienes lo leyeron disfrutaron de la pelicula. Ciertas personas (por ej. yo) vieron la pelicula sin haber leido el libro y haberla visto provoco ciertas ganas de leerlo.

Algo para destacar es la banda sonora. Las escenas epicas vienen acompañadas de canciones igual de epicas. Algunas canciones fueron interpretadas por artistas conocidos tales como Arcade Fire y Taylor Swift.

Conclusión: The Hunger Games (Los Juegos del Hambre) es la primer entrega de una saga prometedora e innovadora. Buenos  actores. Excelente fotografía. Gran banda sonora. Y una premisa capaz de entretener al espectador durante mas de 2 horas.

(SI AUN ESTAS LEYENDO TE INVITO A QUE DEJES UN COMENTARIO RESPONDIENDO LA SIGUIENTE PREGUNTA: ¿QUÉ EXPECTATIVA TENES POR SOBRE EL FUTURO DE LA SAGA “THE HUNGER GAMES?“)

Análisis realizado por Manuel Gimenez

Kung Fu Panda 2: Dreamworks cumple.

El estudio de animación que empezaría su trayectoria con la no tan popular “Antzrelegaría la dirección de un nuevo proyecto a Mark Osborne. La nueva película terminada en 2008 relata la historia de Po, un panda fofo y torpe que vive en un pequeño pueblo de China que es elegido “Guerrero Dragón”, y se le asigna la tarea de proteger a sus habitantes.

Muchos dicen que Dreamworks Animation tiende a formular mal las historias de sus películas. Sin dudas que, su principal competidor, Pixar, siempre supo estar 2 o 3 pasos adelantada a la empresa de California.

De todas maneras, con un historial bastante respetable, Dreamworks se propone a crear la secuela de Kung Fu Panda, esta ves, con muchas más estrellas. Jennifer Yuh dirige un elenco de nombres sobresaliente, entre los que se encuentran: Jack Black (protagonizando con su carisma encantador), Angelina JolieDustin HoffmanGary OldmanJackie ChanSeth Rogen y Lucy Liu (además de un papel secundario de Van Damme).

El principal elemento que me gusta tanto de la primera como de la secuela, además de que, en mi opinión, sostienen una linda historia, es la profesionalidad en las voces. Entre todo el elenco que hace un buen trabajo, la voz mas deleitable es la de Gary Oldman que trae un nuevo aire respecto a Kung Fu Panda.

La animación en mi opinión es fantástica también. La historia es atrapadora y (a diferencia de la primera) esta secuela tiene elementos que hablan muy bien de la originalidad de los productores.

Como toda buena secuela, mantiene la naturaleza de la primera e innova, en pequeña medida, con escenas que son de lo más entretenidas. Otra buena película de Dreamworks, y otro lindo trabajo para el simpaticón Jack Black.

Heat: Dos titanes se encuentran.

Si bien los nombres de Al Pacino y Robert De Niro coincidían en el elenco de la magistral El padrino: Parte II, estos dos genios nunca habían trabajado juntos hasta este filme. Como pasa con todos los grandes, la gente tiende a crear rivalidades que nunca existieron. Se propagó, luego del lanzamiento de Heat, que los dos actores tenían algún tipo de antagonismo, aunque éstos lo negaron inmediatamente.

El director que por fin logró juntar a estos dos titanes fue Michael Mann, quien trabajaría mas tarde con Christian Bale y Johnny Depp en Enemigos Públicos. Mann es el autor de Heat, la historia de dos hombres, un delincuente y un policía, que se ven envueltos en un robo, y que lucharán, a medida que sus vidas personales se desmoronan.

Como podrán imaginar, el elenco de esta obra es maravilloso. No solo tenemos a Pacino y a De Niro, si no que Val KilmerJon VoightTom SizemoreDanny Trejo y una muy joven Natalie Portman acompañan.

Mann opta por dar un buen espacio a sus estrellas, en el cual se introduzcan a los personajes, y los actores puedan alardear sobre sus vastos conocimientos de este tipo de cine. Este motivo puede generar que la primera parte de la película sea densa en algunos momentos. Después de todo, es una película larga.

El argumento cambia radicalmente hacia la mitad, y se transforma en la batalla personal de dos hombres, un verdadero “Fuego contra fuego”.

A veces, entre tanta masividad y excesiva rutina a la cual la inmensa mayoría de las películas hollywoodenses caen, se debe buscar algunos filmes que hacen una diferencia. Heat representa un cambio en el género. Es ordenada, está bien planteada, es atrapadora la mayoría del tiempo y tiene un elenco muy profesional.

Entre muchas otras películas del género policial, presenta un cambio en la forma de enfocar al argumento. No se trata del juego de “gato y ratón” entre policías y ladrones, si no en la intensa relación que se da entre los protagonistas. Son dos hombres parecidos, que tienen sus propias formas de sobrevivir y sus maneras de ver a la ley.

Michael Mann

Por todo esto, tal vez sea una de las historias mas interesantes de Mann. Su no muy basta filmografía alberga errores muy grandes, pero también, algunas cintas que rompen la barrera de lo casual, y merecen ser vistas.

Cuando se pregunten por qué este tipo de filmes crea contraste con otras películas, recuerden que en este tipo de películas los personajes son personajes, y no simples objetos inanimados que se mueven en la pantalla.

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