Análisis: Nausicaä del Valle del Viento (1984).

Cuándo se adapta un comic/manga (en este caso manga) al formato cinematográfico, múltiples son las tareas que debe realizar el encargado del guión para adaptar una historia que ya posee su propia estética gráfica definida. Interesante se torna cuando el mismo creador del manga apuesta por la dirección de la película que adapta ese comic.

Recién estoy comenzando a entenderme con el estilo de Hayao Miyazaki, director al que la mayoría reconocerá por haber dirigido su obra más popular: El viaje de Chihiro. Esta animación, menos conocida y relacionada a un momento de emergencia y germinación de una estética y narrativa que parece, evolucionaría hacia un predominio de lo sobrenatural, lo surreal y lo abstracto, la es el segundo filme del Cofundador del Estudio Ghibli, el primero que impulsó el crecimiento de este estudio.

Deudor siempre del manga, el animé realiza un proceso de adopción de normas estéticas, pero adquiriendo la celeridad narrativa propia de los animes. El esquema narrativo se asemeja al posapcalíptico (tan vulgarizado hoy en día), y se centra en la historia de una princesa que adquiere, luego de una hermosa introducción del universo en el cual está inmersa, la tarea de mediar la situación política entre los pueblos-naciones que habitan esta tierra desolada, y descubrir el origen y la razón de existencia de unos hongos venenosos que pueblan el mundo.

Nausicaa-do-Vale-do-Vento-002

Como el mensaje de Miyazaki es bastante obvio, y el simbolismo de la película es directo y unívoco, no voy a destacar del filme su capacidad moral (que sí la tiene, pero no es su rasgo característico). En su lugar, la obra representa el surgimiento de un movimiento artístico (difícilmente se pueda limitar la influencia del filme al plano de lo cinematográfico) peculiar por sus posibilidades: la animación en dos dimensiones otorga al director la posibilidad de dejar fluir la más grandiosa imaginación, que polariza las problemáticas del hombre moderno y les otorga cuerpo y espacio, creando imágenes increíbles.

Hayao Miyazaki.

Hayao Miyazaki.

Simpleza y linealidad. El simbolismo de la obra es casi tan claro como lo es su historia: una fábula en forma de leyenda. Miyazaki formula su historia desde el universo mítico. En ella aparecen los personajes y espacios típicos de la historia mítica: la vieja (que recupera la tradición mítica); el héroe; el origen y salvataje del mundo. La tierra encuentra su segunda vida (su renacer) en la figura del héroe, redentor, salvador, destinado. Y tras este cuerpo narrativo, un mensaje unilateral de paz y ecología.

 

Anuncios

Análisis de los viernes: Oblivion (2013) – El sci-fi visual por excelencia

En el año 2073, la tierra se encuentra destruida e inutilizada por una guerra nuclear ocurrida 60 años en el pasado, que confrontó a los humanos con una raza alienígena carroñera. Los humanos se han mudado a una de las lunas de Saturno, dejando a un pequeño grupo en la tierra para defender los recursos terrestres, necesarios para el desarrollo de la vida humana fuera del planeta. Jack Harper, uno de estos soldados, luego de un incidente que interrumpe su trabajo, comienza a cuestionarse la verdadera naturaleza de su vida, y de la verdad.

(El mejor trailer que pude conseguir)

El “heredero” de Tron, se encarga de dirigir esta cinta de ciencia-ficción. Joseph Kosinski, el que se dedicaba a dirigir comerciales para Halo, que fue elegido para hacerse cargo de la incierta secuela de Tron, lleva adelante la adaptación de un comic inexistente (A los que le interesa saber más sobre la historia del comic inexistente haga click acá).

Si hay algo que debemos admitirle al director es su maravillosa habilidad para poner en escena. Uno de las características que más mantienen a esta película de decaer absolutamente es la fotografía. Kosinski utiliza las imágenes para sumergirnos en un universo fantástico, de ciencia ficción no solo creíble, sino asombroso, realista y dinámico, en cuanto vemos estéticas naturalistas, tecnológicas, bélicas, y una de las más fabulosas tierras post-apocalíptica que he visto.

Habiendo pasado eso, podemos apreciar que Joseph Kosinski no es un narrador. (spoilers) Pretende manejar una trama doble, una historia que se dobla sobre sí misma al mejor estilo Matrix. Trata, como puede, de plantear ambas historias por separado, de hacerlas encontrarse en un choque energético, y que la segunda triunfe (la verdad) sobre la primera (la mentira). Este tipo de tramas es muy usual en filmes de ciencia ficción, y el ejemplo paradigmático es el antes mencionado filme de Andy y Lara Wachowski (fin de spoilers).

El principal problema que existe en la narrativa de Oblivion es la utilización de los tiempos: si dividimos en tres partes la película, vemos que la primera hora es utilizada para plantear una historia que luego será desmentida por una segunda historia, cuyo planteo se hará en quince minutos, dejando solo media hora para la resolución del conflicto. Entre todo, el planteamiento de la segunda historia es vago y deja con ganas de más, y el final es despelotado y apresurado, por lo tanto, mal logrado.

Uno de los tantos paisajes deslumbrantes de Oblivion

Uno de los tantos paisajes deslumbrantes de Oblivion

Sin duda esta no es tarea fácil, y Kosinski se maneja como puede. Si bien existe un problema central relacionado al manejo de la narración, y que de alguna manera molesta , su influencia no es grande, ya que permite, no solo que la película sea de un disfrute total, sino que la historia sea comprendida naturalmente. Además, estas faltas en la narrativa están ampliamente equilibradas por el interés visual que genera la cinta.

Tenemos un director que es un profesional para hacer real un mundo imaginario (a mi parecer, más astuto y sabio que el Michael Bay), pero que no logra contar una historia con el mismo orden o contundencia con la que lo harían los Wachowski en 1999. Tenemos un grupo de escritores que, salvo alguna línea, no generan un diálogo atractivo. Tenemos un Tom Cruise frágil, que por momentos fastidia por su constante monotonía, y que cancela cualquier oportunidad de profundización psicológica o de conexión hacia su personaje. Tenemos un filme cuya fotografía funciona como un escudo ante todo esto, que le permite, por sí sola, permanecer en un margen “atractivo”, no caer en lo banal, en lo trillado, para no ser oscurecida por su protagonista (hubiera querido que Morgan Freeman interprete todo el filme) ni por la inconsistencia en su narrativa.

Oblivion es un engaño, una película no tan bien narrada, pero tampoco tan mal, un protagonista de piedra, pero también es un festín de imágenes: la realización de la imaginación de muchos, una tierra devastada pero orgullosa en su belleza. Con un mejor equipo de escritores, con un protagonista más simpático, Oblivion sería mucho más que un 7/10, un filme que pelea a cada instante contra sus defectos, sostenida por una narrativa gastada pero efectiva, y un desarrollo visual de puta madre.

7 estrellas

Análisis de los viernes: The Wolverine (2013) – ¿La última decepción?

“En una historia alterna a X-Men Origins: Wolverine (2009), y continuando la historia de Wolverine luego de asesinar a su amada Jean Grey (X-Men. La decisión final -2006-), Logan es convocado a Japón para despedir a un viejo amigo a punto de morir. El protagonista se ve envuelto en una guerra que relaciona a la mafia Yakusa y los samurais, y entre tanto, su capacidad regenerativa es anulada, por lo que se ve enfrentado al conflicto moral y físico de renunciar a su inmortalidad o recuperarla, y de encontrar un sentido a la vida luego de la muerte de Jean.”

(Trailer bastante respetable)

El cine de X-Men nunca fue de mi total aceptación. No conozco con gran intensidad las variantes de la historia que hay en los comics, pero manejo un poco el tronco principal de la cronología de los mutantes.

Habiendo dicho esto, creo que, si alguno de los directores que se han hecho de la franquicia realizó un trabajo respetable, ha sido Matthew Vaughn en la última X-Men: Primera generación (2011). Sin duda que la influencia de Bryan Singer es positiva a la saga, aunque aquellas que ha dirigido no me parecen buenas.

Lobezno Inmortal, o más simplemente, The Wolverine, sigue una linea de sucesos que pertenecen al universo del filme de Vaughn, y que están directamente relacionados con él. Esto de primera me parece un buen signo, ya que la historia alternativa de X-Men Origins: Wolverine es un error de principio a fin, y veo como buena acción haberla descartado para mantener un hilo cronológico coherente con la serie de filmes que inició Vaughn, lo mejor logrado hasta ahora.

Entrando en el filme en cuestión, podemos ver que los primeros treinta minutos de la película son muy entretenidos (la primera escena es la más espectacular que he visto en toda la saga). Sin embargo, a medida que la cinta y la historia avanzan, la narrativa se va hundiendo poco a poco, y cae en lo monótono para cuando nos enfrentamos a un segundo acto.

(spoilers) La primera media hora de la película es buena. No muestra solo la intensidad del fuego de Nagazaki, sino que presenta a un Wolverine distinto: su motivación es la misma (la inmortalidad es una condena ya que está destinado a acumular sufrimiento y no poder descansar jamás), pero la forma de encarar al personaje es distinta, tal vez la idea de un Wolverine reflexivo que tiene James Mangold no es tan trillada como lo ha sido en otros directores, y tal vez, Mangold entiende que la reflexión y la acción bien pensada pueden ir de la mano. (fin de los spoilers).

Sin embargo, cuando la trama avanza a un segundo acto, comienza a desarrollarse una historia de amor poco lúcida, sin profundidad, sin lógica, que no comienza en ningún lado y que no termina en ningún lado. A medida que esta parte de la historia se desarrolla la acción decae, perdemos al Wolverine reflexivo, al antiheroe, y obtenemos un Lobezno que parece una caricatura.

La perdida sustancial del protagonista y la falta de desarrollo de cualquier otro personaje (prácticamente ninguna actuación es rescatable en este filme, siendo la de Hugh Jackman algo siempre visto) llevan el resto de la película a un inminente fracaso, que ni la animación estrambótica y poco agradable, ni los ninjas pueden salvar. La acción, que en un principio era uno de los pilares del filme, se derrumba irremediablemente.

wolverine inmortal

Avanzamos entonces más adentro hacia el trama, cuando el director pierde una visión ordenada de los actos. Los sucesos se dan de forma despelotada, los villanos son básicos y sin una motivación o psicología fuerte (ninguno causa ningún tipo de sensación), y aquello que llevaría a Logan a un extremo mental y físico termina siendo un chiste inconsecuente.

Hacia el resto de la producción puedo decir, excelente trabajo en la primera escena. Recomiendo ver la primera secuencia y la que aparece luego de los créditos y usar esta última como un teaser para el próximo trabajo de Singer con X-Men: Days of Future Past (2014), donde, esperemos, habrá un tratamiento positivo de este genial personaje, que se lo merece. Esperemos que esta sea la última decepción por parte de la franquicia. Un 5/10 para el Wolverine japonés.

5 estrellas

Lo nuevo de Ben Stiller: El remake de “La vida secreta de Walter Mitty”.

Navegando me encontré con un nuevo proyecto de Ben Stiller, uno de los cómicos más capaces del momento. Si bien es un remake, por lo menos podemos respirar al saber que no lo es de alguna franquicia o saga farandulera o vacía en contenido, sino que será una reinvención del filme de Norman Z. McLeod, protagonizada por Danny Kaye.

La historia es figurita repetida: Basado en el relato de James Thurber, la trama nos narra la historia de Walter Mitty, un empleado de una editorial que cuya vida es gris y monótona. El protagonista escapa de su realidad imaginándose en maravillosas aventuras, hasta que conoce a una mujer que lo involucra en una peligrosa misión, y su imaginación se realiza.

Es Stiller ¿No lo reconocen?

Irreconocible

Tanto como intérprete en varios filmes (creo que no hace falta nombrar ejemplos), y podemos decir que es un tipo gracioso y bastante versátil en sus actuaciones (todavía falta verlo representando algún personaje dramático, a ver que tal lo hace). Como director, Stiller lleva también una considerable trayectoria, habiendo demostrado un gran dote narrativo y elocuente en su último filme para la gran pantalla: Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!.

Tendremos la posibilidad de juzgar ambas tareas, ya que Stiller dirigirá tanto como protagonizará la reversión de la historia de James Thurber. Sabemos que el papel de la chica misteriosa será cubierto por Kristen Wiig, que habrá apariciones de Sean Penn, y que está escrita por Steve Conrad (quien ha escrito títulos reconocidos como Vaya par de amigos, y En busca de la felicidad). Para entusiasmarnos, podemos ver este trailer, bastante misterioso y confuso, pero atrayente:

¿Será este el nuevo éxito de Stiller? Sin dudas le doy todas mis fichas.

The Hunter: Willem Defoe y el tigre de Tasmania.

Spoilers.

Jesús, más bien, el controversial Willem Defoe, viaja a Tasmania para ponerse en los pies de Martin, un mercenario que es contratado, por una empresa que desarrolla armamento biológico, para conseguir muestras de una especie que se cree extinta,  el Tigre de Tasmania. El misterio que hace que la película sea un Thriller -a duras penas- es el por qué esta empresa quiere a este animal, y por qué, cuando Martin se instala en esa pequeña casa en el medio de la selva, comienzan a ocurrir atentados violentos contra su persona.

En un principio, The Hunter, pinta como película de cierto público. En mi caso, la elegí de entre mis opciones porque tengo afecciones personales a las historias de supervivencia, ambientes naturales como selvas, cazadores, animales, etc. La película comienza presentando al personaje de Martin como un tipo tranquilo, por lo que Defoe no necesita utilizar sus destrezas artísticas en demasía.

El filme, durante la primera hora, se maneja mediante planos  generales, mostrando la majestuosidad propia de la selva de Tasmania. Acompañan estos enfoques con una falta de música sustancial, lo cual agrega cierto suspenso a las escenas donde Martin se mueve por la selva. Durante un comienzo, la película se caracteriza por ser lenta. La falta de diálogos, una exagerada singularización de los personajes secundarios -que, si hubiera sido bien acompañada por otros elementos con mayor dinamismo, no hubiera estado de más- y la inesperada falta de acción, hacen que esta primera parte se haga larga, y a veces, hasta redundante.

La fotografía es sensacional. La naturalidad amenazante de la selva de Tasmania esta captada con escenas largas y detalladas, relieves, ruidos y movimientos de arbustos. El suspenso acompaña a cada toma que se hace dentro de los árboles.

Como principal punto alto está, entonces, la ambientación. El personaje de Willem Defoe transita una selva silenciosa e inquietante. El desarrollo de la película se salva por la misma fotografía que nos enseña el lado silvestre del lugar, la vida tranquila y desconectada, y una recreación muy buena de lo que es una cacería, con su paciencia. El mayor declive en cambio, es la parte narrativa. Durante la mayoría de la cinta, la historia se desarrolla con quietud, provocada tanto por la falta de acción como por el lento avance de los hechos importantes. Es un error importante ya que una película de hora y media se torna un trámite que, hasta con el hermoso paisaje, a veces se vuelve tedioso.

The Hunter es una pieza experimental, que mezcla un thriller aburrido, un drama predecible, pero un suspenso bien logrado por el uso de la cámara y los enfoques. Willem Defoe es un simple peón, sobra del verdadero protagonista: la selva. Sin un fin determinable, este filme es más bien un ejemplo de mala narración y buena fotografía, y con un presupuesto que no merece.

Por último, la parte subjetiva de esta película, un mensaje que debería haber dado y que creo haber recibido, es que el mismo cazador deja atrás su naturaleza traicionera, y, por un golpe de bondad – que es pésimamente justificado con los lazos que forma con esta familia – decide dejar atrás el individualismo, y hacer lo que a toda la humanidad le conviene. El mensaje es pobre en contenido, y esta dado de forma muy vaga. Ni el personaje ni la misma historia crean en ningún momento un soporte moral suficiente para definir con éxito su evolución, ni su conclusión. Se vuelve entre tanto, confuso e insatisfactorio.

En resumen, tenemos a The Hunter, una película que parece más bien el beta de un programa: incompleta, errónea y mal utilizada. El thriller nunca se termina de lograr, y la evolución del personaje junto con la narración, son radicales y torpes. El gusto que te deja en primer plano es amargo, salvo por la majestuosidad de Tanzania, elemento con el cual quisieron afanar más de lo que pudieron.

La cortina se levanta, Stallone se saca la boina y gatilla.

Rocky, Rambo, Terminator, Die Hard,Universal Soldier. Stallone, Van Damme, Willis, Schwarzenegger, junto a Statham, Li, Lundgren, Norris y Crews, son aquellos cuya tarea recae en concretizar lo que alguna vez fue una utopía del pochoclerismo inteligente: reunir a los más grandes actores de acción y agruparlos en un solo momento de puro extasis brutal, bestial, feroz y efectivamente, hilarante.

Stallone, esta vez, con la ayuda de Simon West, se encarga de producir (no sin sus propios beneficios) lo que ya traspasa, en un modo extraño, una de las barreras de lo que una película puede ser, y se vuelve más, un homenaje abreviado, casi casi, una película de acción.

Los protagonicos no abundan en un filme donde, en cada palabra, se recuerda una nueva escena, un nuevo gag, alusión a viejos clásicos, personajes de antaño, actores que, como dice el buen Arnold están para el museo.

El plano general de tan absoluta y parcial película, es, Van Damme como el villano, haciendo una actuación digna de más de un nerdgasmo (que pase el que no me permita el término); Willis y el querido gobernador comentándose referencia tras referencia sobre un pasasdo glorioso no tan pasado, mientras destruyen, una y otra vez, algun rostro que tiene la mala suerte de correr apuntando al techo; Chuck Norris destruyendo tanques con la vista y aniquilando gente que da calambre; Stallone y Statham llevando adelante batallas que parecen ya bailes de lo producidos que están.

Y en escencia, Los Mercenarios es, lo que todo grupo de amigos sueña, lo que todo domingo lluvioso anhela y lo que toda mujer escapa (desde un punto de vista exageradamente sexista).

Haciendo una pausa dentro de tanto palabrerío redundante, los errores de la primera no fueron corregidos, si no, a lo sumo, disfrazado por una cortina de sangre y balas aún mayor, y la dirección no es otra cosa que algo que no se convierte en impedimento, que no te prohíbe disfrutar a Schwarzenegger diciendo “Im Back” cada vez que la cámara le apunta.

Casi como una sátira, una joda entre amigos, una reunión que implica millones y millones, un todos contra Jean-Claude, un momento de unión entre estrellas y muchachos que genera un éxtasis extraño, casi como si la ausencia de Mel Gibson y Liam Neeson no se notara.

The Hunger Games – La Supervivencia del mas Apto.

La película se situa en un futuro donde el capitolio selecciona a un chico y a una chica de 12 distritos  para pelear hasta la muerte en TV, con la finalidad de que ese ganador mejore sus condiciones de vida. Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se ofrece a ir en lugar de su hermana y allí es donde esta odisea llena de muertes violentas con tintes románticos comienza. A esta aventura se le suman personajes con el correr de los minutos. Quien mas capto mi atención fue Peeta Mellark (Josh Hutcherson),  un joven del distrito 12 que compite lado a lado con Katniss aun sabiendo que la ama.

Antes de ver esta película supuse que seria la predecesora de una nueva saga “a lo Crepusculo” ya que me encontre sorprendido por la gran cantidad de adolescentes femeninas que se encontraban en la sala de cine. Sin embargo, la idea conceptual de la película se torno interesante con el correr del tiempo. Posee ciertas escenas violentas capaces de exaltar a cualquier hombre, aun siendo una película “No Apta para menores de 13”.

Entre las cosas que atraen al espectador para ir hasta el cine y verla se encuentran: la actuacion, la dirección fotográfica, la banda sonora y el hecho de estar basada en un “Best Seller”. Todos estos componentes hacen de la  película, una pelicula divertida compuesta por suspenso, comedia, romanticismo y violencia.

Sin embargo, “nada es perfecto”. La pelicula tiene sus fallas. Una de ellas es el uso de la camara “temblorosa”. Con esto me refiero a que el director en ciertas escenas repletas de accion decide manejar la cámara a través de movimientos bruscos (nada de tomas armoniosas). Esto provoca cierto desconcierto en el espectador, o al menos lo hizo en mi. Pasando a la actuacion. El grupo de actores es muy bueno pero el problema es que la quimica entre Josh Hutcherson y  Jennifer Lawrence no fue convincente al punto de creer que lo visto es un verdadero romance.

A pesar de estas “pequeñeses” la pelicula se hace disfrutable. Digna de verla en el cine.  Yo no he leido el libro pero quienes lo leyeron disfrutaron de la pelicula. Ciertas personas (por ej. yo) vieron la pelicula sin haber leido el libro y haberla visto provoco ciertas ganas de leerlo.

Algo para destacar es la banda sonora. Las escenas epicas vienen acompañadas de canciones igual de epicas. Algunas canciones fueron interpretadas por artistas conocidos tales como Arcade Fire y Taylor Swift.

Conclusión: The Hunger Games (Los Juegos del Hambre) es la primer entrega de una saga prometedora e innovadora. Buenos  actores. Excelente fotografía. Gran banda sonora. Y una premisa capaz de entretener al espectador durante mas de 2 horas.

(SI AUN ESTAS LEYENDO TE INVITO A QUE DEJES UN COMENTARIO RESPONDIENDO LA SIGUIENTE PREGUNTA: ¿QUÉ EXPECTATIVA TENES POR SOBRE EL FUTURO DE LA SAGA “THE HUNGER GAMES?“)

Análisis realizado por Manuel Gimenez

A %d blogueros les gusta esto: