Análisis: La Grande Belleza (2013): posmodernidad y vacío.

A decir verdad, viendo las nominadas al Oscar me he llevado algunas decepciones. Her y American Hustle han sido películas entrañables, que plantean problemáticas de la moral interesantes y cuyo potencial es enorme. Sin embargo me han dejado un sabor amargo -y ni hablar del Lobo de Wallstreet.

Distinto me ocurrió al ver La Grande Belleza. Desconocía la obra de Sorrentino, pero habiendo escuchado tantos comentarios positivos tenía que echarle un vistazo.

Paolo Sorrentino.

Paolo Sorrentino.

El director nos presenta una obra ciertamente anormal, de una estructura compleja, con matices poco comunes, un modelo de personaje principal casi desconocido y una intención que se podría juzgar como ambiciosa.

La trama narrativa es simple, o por lo menos, no es compleja. En esta homogeneidad yace su extrañeza: la falta de linealidad es una herramienta casi desconocida por el público de hoy. La cámara de Sorrentino funciona como un medio de proyección de la experiencia y conciencia de un escritor relajado y vicioso, cuyo escenario de existencia es una hermosa Roma contemporánea pero con una estética pluritemporal. El director hace desaparecer su cámara mientras nos sumerge en la mente de este hombre.

La posmodernidad se puede definir, en estas circunstancias -y violentando la naturaleza del concepto- como una categoría del ser presente en la humanidad contemporánea. También es un principio de análisis en tanto nos permite estudiar el consciente colectivo y social. Al ser una esfera moral y cultural, la mentalidad posmoderna se hace presente en diversos filmes -Her plantea varias problemáticas propias de la posmodernidad.

Esto es relevante porque el filme en cuestión es un excelente sumario de los fantasmas, rupturas, desconciertos e ironías de la cultura y sociedad actual, y representa su más nueva corrupción: el desinterés.

Jep Gambardella es el paradigma ficticio del hombre posmoderno. Se ríe irónicamente de sus fracasos y de su vida vacía y superficial, pero no la ignora. Lejos de encontrarnos en un estado de inocencia -que hace tiempo hemos matado- conocemos (así como Jep) nuestros defectos y nuestra decadencia, y ya no intentamos eliminarla como trataron de hacer otros – quienes construyeron utopías imaginarias que resultaron en catástrofes. Nosotros abrazamos nuestra ineptitud, nos apropiamos del vacío de nuestra alma.

Jep se ríe irónicamente de una Roma que se destruye noche tras noche; lo hace de sus compañeros que viven lo efímero y buscan el placer; se mofa de su propia insustancialidad: no se desespera, no busca una solución pues sabe que no la hay. Ante la última de las decepciones solo queda reír, observar este vacío y no llorarlo, sumergirnos en él y desentendernos de todo sufrimiento.

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El personaje de Toni Servillo es un tipo cool. Es amado por sus compañeros, deseado por las mujeres, respetado por la misma Roma. Su actitud carga siempre con una buena onda inherente e injustificada: una máscara en respuesta a la superficialidad.

El genio de Sorrentino recae en la fabricación de un retrato hermoso de esta moral de vida. El vacío posmoderno es pincelado en esta hermosa obra de arte. Sin embargo, el alcance de este filme no muere ahí.

Como su título recita, Jep busca la Grande Bellezza. Reivindica su alma en ese último acto de purificación. Después de todo, como él dice, es un hombre sentimental, y su objetivo en la vida es encontrar y apreciar la belleza del mundo. Pero Jep solo se topa con una belleza insuficiente. El hueco de su interior nunca queda complacido, y esta búsqueda no termina hasta que él encuentre aquello que posea la máxima belleza y que lo restituya de su vacío.

Excelentísimo retrato de un hombre desustancializado, roto, pluralizado y ambiguo: Jep somos todos en esta sociedad donde el ideal ha muerto y lo único que queda es sonreír irónicamente ante su muerte.

Lo nuevo de Ben Stiller: El remake de “La vida secreta de Walter Mitty”.

Navegando me encontré con un nuevo proyecto de Ben Stiller, uno de los cómicos más capaces del momento. Si bien es un remake, por lo menos podemos respirar al saber que no lo es de alguna franquicia o saga farandulera o vacía en contenido, sino que será una reinvención del filme de Norman Z. McLeod, protagonizada por Danny Kaye.

La historia es figurita repetida: Basado en el relato de James Thurber, la trama nos narra la historia de Walter Mitty, un empleado de una editorial que cuya vida es gris y monótona. El protagonista escapa de su realidad imaginándose en maravillosas aventuras, hasta que conoce a una mujer que lo involucra en una peligrosa misión, y su imaginación se realiza.

Es Stiller ¿No lo reconocen?

Irreconocible

Tanto como intérprete en varios filmes (creo que no hace falta nombrar ejemplos), y podemos decir que es un tipo gracioso y bastante versátil en sus actuaciones (todavía falta verlo representando algún personaje dramático, a ver que tal lo hace). Como director, Stiller lleva también una considerable trayectoria, habiendo demostrado un gran dote narrativo y elocuente en su último filme para la gran pantalla: Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra!.

Tendremos la posibilidad de juzgar ambas tareas, ya que Stiller dirigirá tanto como protagonizará la reversión de la historia de James Thurber. Sabemos que el papel de la chica misteriosa será cubierto por Kristen Wiig, que habrá apariciones de Sean Penn, y que está escrita por Steve Conrad (quien ha escrito títulos reconocidos como Vaya par de amigos, y En busca de la felicidad). Para entusiasmarnos, podemos ver este trailer, bastante misterioso y confuso, pero atrayente:

¿Será este el nuevo éxito de Stiller? Sin dudas le doy todas mis fichas.

Días de vinilo – La Música genera amistades.

Amistad, música, amor, encuentros y desencuentros. Algunos de los atractivos conceptos que se ven reflejados por este gran film.

¿De que va la historia? Damián, Facundo, Luciano y Marcelo son amigos de la infancia, y comparten desde siempre el fanatismo por el rock clásico en discos de vinilo. Cuando el primero de ellos decide casarse, la vida de los cuatro se revoluciona.

Los personajes tienen personalidades muy marcadas, capaces de identificar al mas apático de los espectadores. Cada uno de ellos posee algo que los hace únicos y digamos…”queribles”. No podría resaltar alguna actuación en particular ya que todas han sido de mi agrado y lograron robarme una sonrisa. Un elenco conformado por GRANDES actores que logran interpretar a un conjunto de personajes entrañables. Algunos de los actores y sus trabajos previos: Gastón Pauls (9 Reinas, Todos contra Juan, Iluminados por el Fuego), Rafael Spregelburd (El hombre de al lado), Maricel Álvarez (Biutifl, A Roma con amor, Pequeños Milagros), Fernán Mirás (Juan y Eva, Verdades verdaderas), Ignacio Toselli (Cruzaron el disco, Buena vida Delivery). 

El guion esta muy bien desarrollado ya que todas las historias son contadas de manera “armoniosa”. La película,  si bien es larga, no se torna aburrida en ningún punto debido a que los saltos entre las distintas realidades de los personajes le brindan dinamismo al film.

Esta película viene de la mano de Gabriel Nesci, conocido por su trabajo como director en Todos Contra Juan. Serie cuyo humor se ve reflejado en Días de vinilo. La dirección es impecable. Digna de cualquier comedia Hollywoodense. La música es excelente. Canciones de Morrisey, Los Beatles, Genesis, Queen, suenan al compás de grandes escenas repletas de risas y relaciones. Todo amante de las grandes bandas y de la cultura Pre 2000 va a apreciar esta película. En efecto, algo que disfrute mucho fueron las analogías que se hacen sobre la historia de la música.

Días de vinilo es MUY graciosa. Me recordó de manera significativa a Alta Fidelidad, pero aun así se percibe ciertas unicidad en la peliculaEl director y los actores logran robarle múltiples sonrisas al publico. El humor no es para nada burdo, solo es previsible en algunos escenas. Sin embargo, no por eso se lo disfruta menos. Sonrisa tras sonrisa logramos encariñarnos de los personajes, sus historias y su amistad.

Hacía tiempo que no veía una comedia tan efectiva como esta. Las carcajadas brotaban en el publico de manera sincronizada y las sonrisas de quienes salíamos de la sala eran imborrables. Es una película altamente recomendable. Una de las mejores comedias del año. Días de vinilo supero mis expectativas. Felicitaciones para Gabriel Nesci y el sobresaliente elenco.

El trailerhttp://www.youtube.com/watch?v=UFyTGwMnWmo

Análisis realizado por Manuel Gimenez.

Men in Black III: Will Smith y su impecable sentido del humor oral.

Viene con Spoilers:En 1997 nacería una película, combinación de géneros como el Sci-Fi exagerado y la comedia infantil, con toques de innovación que surgen de la extraña mezcolanza y de la dicotomía Jones-Smith, y de un sentido innato de abuso de temas. Entre tanto, este filme sería un éxito, no sin precedentes, pero éxito al fin.Luego de una primera película, y un intento fallido de una secuela, nos vemos ya en 2012, 15 años luego del primer lanzamiento, con una nueva producción, esta vez con más Smith y un Jones joven.

La sinopsis de esta historia es, en un principio, simple y reiterativa: Boris The Animal, otro de los excéntricos alienigenas característicos de la saga -y que siempre son un disfrute visual por sus increíbles diseños- escapa de una de esas prisiones de máxima seguridad, con esa facilidad con la que escapa un supervillano de una prisión de máxima seguridad (accidente deteriorado), y acude, como todo villano, a la voluntad de venganza, en este caso, contra K (Lee Jones). Con dicho fin, parte hacia el pasado, creando una de esas complejas rupturas y relaciones de futuros alternos y simultáneos- que tanto dan jaqueca, a mi, y a mi incapacidad de atar tantos pozos narrativos-, para asesinar a K, el único impedimento que presentaba hacia su plan de destruir la Tierra.

Cuando J (Smith) llega a los 60s, la ambientación empieza a jugar un papel que pinta de colores una película, desde su inicio, aburrida. Se manejan en un principio con gags, aluciones históricas, de personajes como Andy Warhol, que aluden a una táctica también, reiterativa -recuerdo al Elvis alienigena que vuelve a su planeta- pero efectiva entretanto para sacar algunas risas. Mientras, como principales factores positivos, están la utilización de temas de rock de época -en contra posición con el empalagoso tema principal de Pitbull- y un carismático Will Smith, que realza varias escenas con sus comentarios ingeniosos y, a veces, hilarantes. Por lo tanto, la fotografía es un punto a favor en Hombres de Negro 3.El viaje temporal es creo, el punto mejor pensado en su linea semi-mediocre, y se puede elogiar a la evolución temporal, tan genialmente lograda -la repentina aparición de un Rex con la boca abierta, o el gag de humor negro de los suicidas de la crisis de Wallstreet-.

La actuación de Josh Brolin es más inteligente, profesional, o por lo menos más atractiva y menos monótona que la de Lee Jones, puesto que da vida a un K humano, con un sentido del humor marcado, y, a diferencia de su versión adulta, una seriedad coherente con un personaje más encantador. Al ser así, la química y el vaivén humorístico se da de forma espontánea, y no forzada.

Existe un error lógico bastante fuerte: En los 60, la organización de Hombres de Negro ya posee tecnología ficticia y futurista. Se intentan hacer gags haciendo referencia a la comparación de la tecnología tosca de antes y la refinada y práctica de ahora (por lo que hay un Neuralizador con batería portátil). Lo que no termina de cerrar es como, Los Hombres de Negro, estando en contacto con vida extraterrestre, y por lógica, con los viajes estelares y la exploración del espacio, pueden observar y fascinarse con el famoso viaje de Amstrong y compañía. No en contraparte, Will Smith toma leche chocolatada como un remedio a los mareos generados por la ruptura temporal y el nacimiento de una nueva dimensión…

Boris el Animal, Jemaine Clement, es, como en las anteriores versiones de Hombres de Negro, el punto más flojo, ya sea por su exagerada naturaleza de cliché, personaje altanero, por su diálogo que brilla por lo poco iluminado, repetitivo y uniforme.

Más allá de los pequeños errores que se dan por sentados, Hombres de Negro 3 es una buena película, no se caracteriza por su innovación, por lo que no hay mucha recompensa en verla, salvo para un viejo interesado en la saga.

El apoteósico Víctor y el dominado Leonardo.

He aqui una joyita del cine argentino, ápice de fanatismo de la apariencia y el sonido, una pieza bastante única que combina tanto una singular visión de la composición de la imagen, de la diversidad fílmica, de una riqueza grande en el uso de la inteligencia sonora, y un encanto cordobes de comicidad casi única en el mundo.

En un principio, el elemento más resaltante en el filme es la constitución de la imagen, que se da, tanto por el uso de la cámara como del microfono. Los directores juegan constantemente con la interacción de la imágen y los sonidos dando mucha densidad a las escenas.

Juegan, no con filmaciones simplistas o tradicionales, si no que, en lugar de quedarse con una innovación de disposición, también renuevan el plano visual (por lo menos en lo poco que yo he visto), lanzando escena tras escena de imágenes interesantes y extrañas que terminan conjugando para volarte los sesos, creando incomodidad (como factor principal de la película).

La genialidad en El hombre de al lado no queda solo en la composición, si no que la misma actuación es fantástica. Por el lado del argento Victor, como principal arma (en mi opinión), su capacidad innata para irritar de manera perturbante, de influenciar con miedo, de crear inestabilidad nerviosa hasta para el que esta sentado en un living, y por el lado de Leonardo, un burgués apagado y fastidiado, cumbre del egoísmo y el desinterés, al más alto grado capitalista y ciego.

La película es, entre tanto, una hora y media de mal gusto (excelentemente creado), de humor hilarante pero transtornante (a un punto que se te incomoda reirte de las puteadas de Victor), de un miedo autogenerado, de situaciones odiosas, frustrantes, extrañas, incomprensibles y con un efecto visual-audisivo simplemente genial. Es una película original y de alta preparación, una pieza singular y exclusiva.

The Hunger Games – La Supervivencia del mas Apto.

La película se situa en un futuro donde el capitolio selecciona a un chico y a una chica de 12 distritos  para pelear hasta la muerte en TV, con la finalidad de que ese ganador mejore sus condiciones de vida. Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) se ofrece a ir en lugar de su hermana y allí es donde esta odisea llena de muertes violentas con tintes románticos comienza. A esta aventura se le suman personajes con el correr de los minutos. Quien mas capto mi atención fue Peeta Mellark (Josh Hutcherson),  un joven del distrito 12 que compite lado a lado con Katniss aun sabiendo que la ama.

Antes de ver esta película supuse que seria la predecesora de una nueva saga “a lo Crepusculo” ya que me encontre sorprendido por la gran cantidad de adolescentes femeninas que se encontraban en la sala de cine. Sin embargo, la idea conceptual de la película se torno interesante con el correr del tiempo. Posee ciertas escenas violentas capaces de exaltar a cualquier hombre, aun siendo una película “No Apta para menores de 13”.

Entre las cosas que atraen al espectador para ir hasta el cine y verla se encuentran: la actuacion, la dirección fotográfica, la banda sonora y el hecho de estar basada en un “Best Seller”. Todos estos componentes hacen de la  película, una pelicula divertida compuesta por suspenso, comedia, romanticismo y violencia.

Sin embargo, “nada es perfecto”. La pelicula tiene sus fallas. Una de ellas es el uso de la camara “temblorosa”. Con esto me refiero a que el director en ciertas escenas repletas de accion decide manejar la cámara a través de movimientos bruscos (nada de tomas armoniosas). Esto provoca cierto desconcierto en el espectador, o al menos lo hizo en mi. Pasando a la actuacion. El grupo de actores es muy bueno pero el problema es que la quimica entre Josh Hutcherson y  Jennifer Lawrence no fue convincente al punto de creer que lo visto es un verdadero romance.

A pesar de estas “pequeñeses” la pelicula se hace disfrutable. Digna de verla en el cine.  Yo no he leido el libro pero quienes lo leyeron disfrutaron de la pelicula. Ciertas personas (por ej. yo) vieron la pelicula sin haber leido el libro y haberla visto provoco ciertas ganas de leerlo.

Algo para destacar es la banda sonora. Las escenas epicas vienen acompañadas de canciones igual de epicas. Algunas canciones fueron interpretadas por artistas conocidos tales como Arcade Fire y Taylor Swift.

Conclusión: The Hunger Games (Los Juegos del Hambre) es la primer entrega de una saga prometedora e innovadora. Buenos  actores. Excelente fotografía. Gran banda sonora. Y una premisa capaz de entretener al espectador durante mas de 2 horas.

(SI AUN ESTAS LEYENDO TE INVITO A QUE DEJES UN COMENTARIO RESPONDIENDO LA SIGUIENTE PREGUNTA: ¿QUÉ EXPECTATIVA TENES POR SOBRE EL FUTURO DE LA SAGA “THE HUNGER GAMES?“)

Análisis realizado por Manuel Gimenez

Project X – Una fiesta fuera de control.

Paradojicamente, me vuelvo a encontrar con un film al estilo Found Footage Film.
Esta película nos presenta a un grupo de adolescentes que han sido marginados en su secundaria pero quieren cambiar esto al hacer la mejor fiesta de todas (“quieren tirar la casa por la ventana”). Cada uno de los personajes principales tiene un caracter determinado. Sin embargo, todos tienen algo en comun: todos son objeto de burla en su escuela.

Este film fue producido por Todd Phillips, director de The Hangover.

Yo definiria a Project X como una pelicula que  demuestra como una fiesta “se va de las manos” en pocos minutos. La premisa es así de simple. Un grupo de jovenes NO populares desean realizar  la gran fiesta de sus vidas para captar la atencion de todos. Puede que suene simple  y lo es pero no por eso es menos divertida. Me reí muchas veces y de ves en cuando ciertas carcajadas se hacian oir por parte de los demas espectadores.

Project X es una pelicula increiblemente divertida e intensa (me pase los ultimos 20 minutos con la boca abierta). Las cosas que suceden son bizarras e improbables al igual que en The Hangover.

“Esta película es una experiencia para disfrutar con muchos amigos”. Es la fiesta a la cual todo adolescente quiere asistir.
Después de todo debo admitir que la disfrute mucho. Sali del cine y no hice mas que hablar sobre ella con quienes la vieron. Esto no quiere decir que fue una obra maestra del cine sino que fue una pelicula muy divertida con una premisa ” innovadora”. Se la vio muy real y posible. Y la frutilla del postre fue el guion. Un guion muy elocuente y bien interpretado.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Después de todo, debo decir que recomiendo esta película a quienes vieron el trailer y luego de verlo sintieron mucha curiosidad por saber que es lo que pasaba. ( TRAILERhttp://www.youtube.com/watch?v=1Rl1TJG17Wk )

La direccion fue mas que buena ya que durante casi todo momento uno se siente parte de la fiesta. El soundtrack acompaño perfectamente cada escena. Y las actuaciones resultaron muy gratas ya que fueron el complemento perfecto para todo lo anterior.

Si me dijeran ¿Cuanto le das a Project X del 1 al 10? diria un 7.50. Es una pelicula para disfrutar con amigos tanto en el cine como en tu propia casa.

Para que se entienda mejor…

Super Bad-Antes de la fiesta.
Hangover-Despues de la fiesta.
Project X-La gran fiesta.

Análisis realizado por Manuel Gimenez

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